El cubismo

Fue un movimiento nacido en Francia en 1906. Da pie al resto de las vanguardias artísticas que surgieron en Europa a partir de estas fechas, se le conoce como la ruptura definitiva de la pintura como se venía conociendo.

Este movimiento estuvo encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El nombre de "cubismo" fue dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles, el mismo que puso el nombre a los fauvistas.

«Cuando hacíamos cubismo, no teníamos ninguna intención de hacer cubismo, sino únicamente de expresar lo que teníamos dentro». Pablo Picasso.

El cubismo rompió con el último de los pilares renacentistas que quedaba en el mundo, que era la perspectiva. Dibuja las formas de la naturaleza, véase como personas, animales, objetos, paisajes, etc., a través de figuras geométricas. Pero, a pesar de ser una vanguardia, los temas que se pintaban seguían siendo los mismos; bodegones, retratos y paisajes.

El color pasa a un segundo plano, no era tan bellamente utilizado como en el impresionismo o el fauvismo. Claro que utilizaban color, pero no era tan importante, por lo que las paletas de color podían iguales en una obra, por ejemplo, en el retrato de Pablo Picasso realizado por Juan Gris, podemos ver que los colores que predominan son los grises y los azules. Es por esto que se dice, que el cubismo era monocromático.

Pablo Picasso. Retratado por Juan Gris.

Ahora, les voy a mostrar una breve reseña de Pablo Picasso, pintor que me gusta mucho y admiro por su destreza y originalidad.

Pablo Picasso fue un pintor y escultor español y uno de los padres del cubismo. Es considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX y participó en varios movimientos artísticos que se dieron en el mundo.
Pintó más de 2.000 obras, que se encuentran actualmente en museos a lo largo de Europa y del mundo entero.

No me enfocaré en mostrarles una biografía de Picasso, ya que eso lo pueden buscar en cualquier lugar de internet, o en los libros Me enfocaré en dar mi opinión personal sobre este maravilloso artista al que admiro desde muy pequeña. Sus obras, todas y cada una de ellas, reflejan un sentimiento, claro está que al estar fragmentadas en figuras geométricas, es más dificil de descifrar. Pero lo que más me gusta de este artista es su capacidad para romper los esquemas, dejar a un lado los formalismos que se venían viendo en el arte y simplemente expresarse como quería, jugando con el color y las formas. Esto, a mi parecer, es lo que hace de Pablo Picasso uno de los mayores artistas de nuestra historia y que dejó un legado, no solo físico, como lo son sus obras, sino también moral e intelectual.

El Guernica, una de sus obras más famosas. Podemos ver claramente una escena de
la Guerra Civil Española, descompuesta en figuras geométricas,
sin perder el sentido ni el entendimiento.

El expresionismo: Edvard Munch.

No puedo comenzar a hablar de Edvard Munch sin primerlo explicar el concepto de impresionismo, o lo que se entiende por.

El expresionismo es un movimiento artístico que, como su nombre lo indica, se enfoca en expresar los sentimientos y los estados emocionales a través del arte. Éste movimiento surge en Alemania a principios del siglo XX. Se desarrolló junto con el fauvismo francés, por lo que los dos pasan a ser parte de las "vanguardias históricas". Se caracteriza por la deformación de la realidad y la subjetividad de las obras.

Ahora que ya tenemos claro lo básico sobre este concepto, empezaré a hablarles de otro de mis pintores favoritos en la historia. Edvard Munch.

Edvard Munch fue un pintor alemán/noruego nacido el 12 de diciembre de 1863 en Loten. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.

En sus obras podemos ver su desesperación, sus tristeza, su alegría, depende de su estado de ánimo. Por ejemplo, su obra más famosa, El Grito. Que al verla nos trasmite esa necesidad de querer gritar, de frustración por alguna cosa.

Podemos observar esto en la forma de sus trazos, que se mueven y se ondulan con un sentimiento de tristeza, el rostro caído de la figura principal, que le da nombre a la obra, los colores fuertes que representan quizás enojo o frustración. Todo esto nos lo trasmite Edvard Munch en un lienzo de apenas 91 cm x 74 cm. Realizó cuatro versiones de esta obra, la más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, Noruega. Y otra de las más conocidas se encuentra en el museo de MoMa en Nueva York, Estados Unidos.

Escogí a este pintor ya que es uno de los grandes exponentes del expresionismo, sí bien hay muchísimos más, me parece que es uno de los más conocidos y con el que mejor podrán hacer referencia para investigar sobre este movimiento artístico.

El Grito, de Edvard Munch.

Monet y el impresionismo

 Antes de empezar a dar mi opinión sobre el gran artista que fue Claude Monet, debo empezar por explicarles qué es el impresionismo y en qué se basó este movimiento artístico.

  El impresionismo surge en Francia a mediados del siglo catorce, su nombre se debe a una obra realizada por Monet llamada "Impresión: sol naciente". Básicamente, se le llama impresionismo porque plasma los momentos tal cuál como son, según la hora y el lugar. Todo como esté en el momento. Se caracteriza por sus trazos rápidos y sus colores vivos, colores sacados completamente de la inspiración de la naturaleza.
Lo que buscaba el impresionismo era el naturalismo de las figuras y los paisajes.

Ahora que sabemos qué es el impresionismo -o al menos lo básico- comenzaré a hablarles de mi artista favorito de todos los tiempos. Desde que vi algunas de sus pinturas en un libro que tengo en mi casa, quedé totalmente enamorada. Los colores, las figuras, las expresiones de los rostros, todo era perfecto. Estoy hablando de nada más y nada menos que de Claude Monet, un artista nacido en Francia que se encargó de plasmar al natural todo lo que veía y que ciertamente marcó una pauta en la historia del arte.

 Mi interés por Monet despertó aún más cuando en octavo nuestro profesor de arte José Luis nos asignó a cada uno un pintor y debíamos exponer sobre él y su obra durante unos 20 minutos. Por casualidades de la vida a mi me tocó Monet, y la verdad es que fue como un sueño poder investigar sobre él, conocer más de su obra, sus propósitos, su vida. Una de las cosas que más me llamó la atención es que el comenzó haciendo caricaturas comunes en la escuela, de profesores, como cualquier adolescente hace. Luego empezó a experimentar con diferentes técnicas hasta llegar a la que dio en el clavo, la técnica impresionista.

 Entre mis obras favoritas de él se encuentran todas las que realizó dibujando su jardín estilo japonés al cual se mudó durante toda su vida en Francia. Tres de mis cosas favoritas unidas, Francia, Japón y arte. La belleza con la que logró dibujar sus famosos nenúfares, o su puentecito japonés sobre ellos... todo, todo me parece perfecto en cuanto a la obra de Claude Monet. Es por esto, que me parece uno de los artistas más importantes de los últimos siglos, que además de dar origen a un movimiento muy conocido en el mundo, fue una persona sumamente de admirar y que supo como trasmitir lo que sentía con unos cuantos pinceles y un lienzo.

Los nenúfares de su jardín, por la noche.

El Parlamento en el atardecer. 

El Parlamento en el amanecer: este es uno de los mejores
ejemplos para darnos cuenta de cómo Monet dibujaba captando
los distintos momentos. Lo podemos apreciar en sus diferentes versiones de esta obra
depende del momento del día. 

De cerca quizás puede parecer que son trazos bruscos y sin sentido,
pero al apreciar la obra un poco más separados y completa, podemos ver
que la imagen se forma en su totalidad dejándonos ver una bella escena.

El (re)Nacimiento de Venus

El Nacimiento de Venus es una de mis obras favoritas de la historia, no sólo del renacimiento. Es de esas manifestaciones artísticas que cuando las ves te producen una sensación de plenitud, de estar viendo la obra más bella del mundo.

Para darles un poco de información acerca de la obra; su autor fue el renombrado pintor renacentists Sandro Botticelli, proveniente de Italia. Este hombre fue un ente muy importante para lo que fue esta etapa en la historia, con lo que respecta al arte, claro.

Botticelli realizó esta obra con técnicas realmente impresionantes y muy naturales, que al apreciar la obra hasta podríamos decir que estamos viendo una fotografía. Lamentablemente, yo en lo personal no he tenido la oportunidad de verla en vivo y directo, pero conozco personas que sí lo han hecho y me cuentan que la obra simplemente te deja sin aliento.

Pero, además de ser una obra bellísima para mostrar el talento del artista, es una obra que tiene unas cuántas historias detrás. Existen varios ensayos y análisis de la obra y de los personajes que allí se presentan. Después de buscar en varios lugares, encontré un análisis que daba prácticamente en todos los puntos de los cuales quería saber.

Por ejemplo, nos dice que en la obra se pueden apreciar a Venus en el centro, con una belleza indescriptible y una simetría casi perfecta, que hace que los demás personajes no tengan tanta importancia pero que tampoco la pierdan en su totalidad. A la derecha podemos ver a Flora, que simboliza la primavera y la alegría de que Venus, una mujer tan bella y que simboliza cosas tan importantes como el amor y la belleza, esté naciendo.
Otro personaje es el de Céfiro, dios del viento y también enlazado con el alba de la mañana, y según el mito, Venus nace una mañana soleada y con brisa, y aquí es donde entra Cloris, diosa del viento.

En fin, existe un sinfín de relatos y curiosidades de la obra que la hacen ser más bella de lo que ya es, aún si uno no sabe absolutamente nada de ella. Botticelli trabajó con todo su talento para crear una de las obras más importantes e icónicas del renacimiento, dejando para el mundo una vista esplendorosa de un mito que el quiso exolicsr de forma completamente majestuosa.

Antigua Roma

 La Antigua Roma se formó en el año 753 a.C, según dicen, por los hermanos Rómulo y Remo.
Las primeras manifestaciones del arte romano se dieron gracias al influencia del arte etrusco y el arte griego.

- Arte etrusco: surge en la civilización etrusca al norte de Italia en el siglo II a.C. Tenía un carácter funerario, lo usaban para decorar tumbas y sarcófagos. Se destacaban los frescos y la escultura.

Crematorio policromado, arte etrusco.

 El arte romano en general es una ampliación del arte griego, puesto que creían en los mismos dioses (con diferentes nombres) y la escultura, la pintura y la arquitectura eran muy parecidas. 

Existieron varios períodos o etapas que resaltaron en el arte de la Antigua Roma.

- Imperio Romano

- Período Helenista

- Etapa clásica (que duró hasta el triunfo del cristianismo)

La arquitectura: 

   Fue quizás el pilar más importante de la civilización romana. Construían grandes y majestuosas edificaciones, templos, en su mayoría. Los romanos construyeron las primeras vías de transporte y el primer acueducto del mundo. Se destacaban en este período el orden jónico, dórico, toscano, corintio y compuesto. Utilizaban mucho la piedra y la tallaban. 

Entre las construcciones más importantes están:

- Templos: como el templo en Palmira

- Teatros: teatro de Mérida, teatro de Marcelo

- Acueductos: el más famoso es el acueducto de Segovia (Segovia queda en España pero antiguamente pertenecía a los romanos)

- Arcos Triunfales

- Circos y calzadas

Teatro romano de Mérida, se puede apreciar la belleza
de la edificación romana.

La escultura: 

 Utilizaban mármol negro y blanco. También el bronce era un material muy importante para sus esculturas. A diferencia de los griegos, los romanos hacían esculturas de todo lo que veían, el concepto de lo feo y lo bello no era tan arraigado como lo era en la Antigua Grecia. 

 Fueron muy buenos escultores, con técnicas casi perfectas para mostrar el realismo de sus esculturas. 

Esculpían mujeres, hombres, niños, ancianos, emperadores y decoraban monumentos funerarios. 

Entre las manifestaciones de escultura más importantes están:

- Los frisos: pinturas con relieve

- Los camafeos: relieves sobre fondos negros, lujosos y usados como joyas.

- Estatuillas

- Objetos decorados

- Esculturas ecuestres: hombres a caballo, eran muy importantes y notorias.

Camafeo "Gema Augustema" 

Escultura "El Buen Pastor"

La pintura:

 Usaban colores vivos. Abundaban los frescos y los mosaicos. 

La pintura era utilizada para decorar templos (internamente), como los techos. También para decorar murales y objetos como vasijas. 

Entre los más famosos cuadros murales de este arte greco-romano se cuentan

- El Paris juzgando a las tres diosas

- La Libertada por Hermes

- Ceres en su trono

Fresco de "Paris juzgando a las tres diosas". Se pueden apreciar los colores vivos,
la técnica que le da frescura a la obra y los movimientos suaves. También el tema
mitológico.

Antigua Grecia

 La Antigua Grecia fue una de las civilizaciones más importantes en el mundo debido a sus avances, sobre todo hacia la cultura occidental. Se cree que Grecia surgió en el año 776 a.C. y que tuvo varios periodos, algunos de ellos son la Edad Oscura, la Época Arcáica, período clásico, período helenístico y la Grecia Romana. Es importante destacar que los griegos eran politeistas y que al igual que Egipto, Mesopotamia y Asia, la mayoría de sus obras iban dirigidas o dedicadas a un dios.

Mapa de la Antigua Grecia

  El arte griego empezó con pequeñas esculturas hechas de madera, pero más tarde el material que más se utilizó fue el mármol blanco y mármol negro. Más que pinturas, mosaicos u otro tipo de manifestaciones artísticas, sobresalían las esculturas y las obras de edificaciones.

 Una de las edificaciones más importantes eran los templos, que al igual que otras culturas vistas antes, se realizaban en honor a los diferentes dioses. Los templos constaban de varias partes y tipos, con la construcción de templos surgieron los famosos ordenes.
- Orden dórico
- Orden jónico
- Orden corintio

Capiteles dórico, jónico y corintio (de izquierda a derecha)
se puede apreciar el cambio de manera fácil.

El Partenón es uno de los símbolos más importantes de la cultura y el arte griego.

Aparte de estos estilos arquitectónicos, Grecia es muy conocida por sus jarrones y vasijas. Utilizaban mucho los colores terracota, como color ladrillo y rojo, y también el color negro. Las vasijas o jarrones constaban de dibujos de personas, que en muchos caso solo lo decoraban, y en otros casos contaban una historia (como los egipcios)

Típico jarrón griego. Se pueden apreciar los colores rojo, naranja, negro y
los dibujos de personas/animales.

 Con respecto a la escultura, se solían esculpir figuras de mujeres, basadas en sus ideales específicos de belleza, al igual que de los hombres. Habían muy pocas esculturas de niños, ya que los que lo hacían se dedicaban solo a eso. Hay muchísimas estatuas famosas de la Antigua Grecia que hoy en día siguen manteniendo ese renombre, como lo pueden ser la escultura de Atenea, la de Afrodita con Pan y Eros, la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia, Laconte y sus hijos, y un sinfín de esculturas bellísimas más. 

Escultura de Victoria de Samotracia

En conclusión, podemos ver en este breve resumen que la cultura griega fue una cultura muy basta y que aportó muchas cosas a nuestro mundo y nuestra sociedad, en especial en el área de las artes y la filosofía. Es una cultura que por más años que pasen siempre será recordada y alabada, admirando la belleza de sus obras, ya sean físicas o filosóficas.

El arte chino

El arte chino data desde hace miles de años. En él se pueden observar varios períodos muy importantes.

Período Neolítico: se destaca en este período la llamada "alfarería roja", de al rededor del año 3000-1600 a.C. Se encontró al norte y noroeste de China. Sus principales características pueden verse claramente, decorados de pájaros, animales, plantas y figuras humanas. 

 Eran dibujados con pigmento negro y un pincel flexible, los cuales 

dieron la primera idea de la soltura en el manejo del pincel que es una de las cualidades más sorprendentes de la pintura china.

Ejemplo de pintura china durante el neolítico. Se pueden observar
las figuras de pájaros y de plantas.

Dinastía Shang: dio origen a la edad del bronce en China. Los principales elementos que utilizaban eran madera y hueso, con motivos protectores, mágicos y decorativos. No quedan muchas pinturas de este período, pero quedan los llamados "pictogramas" que utilizaban como escritura. Estos pictogramas eran tallados en hueso, a los que luego llamaban "huesos del oráculo" y los utilizaban para la adivinación.

Existen otros períodos como la Dinastía Chou, las Dinastías Ch'in y Han, los tres reinos y seis Dinastías; pero los dos primeros mencionados fueron los más importantes y de dónde surgieron los demás.

El arte chino tiene mucho del arte hindú, o el arte budista. Se cree que el arte budista llegó a China durante el siglo I d.C. Al principio era una religión poco conocida y competía con la religión que estaba implantada en China, el taoismo. El taoismo es una religión politeísta, es decir, creían en varios dioses. Al igual que los egipcios, los mesopotámicos, los griegos y los romanos. Existían siete dioses, los cuales eran los más importantes, éstos eran: Shangdi (el dios supremo), Chang'e (diosa de la luna), Cai Shen (dios de la fortuna),  Gao Yao (dios de la justicia), Sun Wukong (el rey mono), Guan Yin (dios de la compasión) y Guan Yu (dios de la lealtad y la hermandad). 

 Con respecto a la arquitectura, los materiales más utilizados eran los azulejos, los ladrillos amarillos, las tejas de colores diversos, tales como verde y rojo, y la madera. La madera era quizás la más importante ya que de esto están construidas casi todas las edificaciones chinas antiguas. Las bases y  paredes de los edificios solían ser cuadrados, sin muchos detalles. Mientras que los techos simbolizaban lo más importante del edificio, ya que según ellos, era lo que estaba más arriba, por consecuente, lo más cerca de sus dioses. Además, simbolizaban la protección a la familia. Éstos techos eran construidos de diversas formas y colores, la forma más usada es el techo un poco curveado a los lados donde las esquinas se levantan. Arriba solían decorarlos con gárgolas en forma de dragón o con maderas talladas. 

 Los templos eran muy importantes para los occidentales, ya que ahí era donde rendían tributo a los dioses y a los emperadores. Eran lugares totalmente sagrados y no todo el mundo tenía acceso a ellos. Un ejemplo, es la famosa "Ciudad Prohibida" en Pekín, como su nombre lo indica, estaba prohibido ingresar allí a menos de ser una figura importante, ya que este templo albergó a casi todos los emperadores de las Dinastías chinas. Hoy en día, es mejor conocido como un sitio turístico, por poseer dentro el Museo del Palacio, pasó de prohibida a abierta al público cuando se dio por terminada la Dinastía Qing.

Techo de un templo chino. Se pueden apreciar las esquinas levantadas
y los vibrantes colores en la edificación.

 La escultura era muy aplicada en la arquitectura. No solían hacer esculturas que estuviesen solas, normalmente iban adjuntadas a un techo, o pegadas como esfinges en las escaleras de los templos. Usaban mucho la piedra y la madera para hacer dichas esculturas. Las figuras que más representaban eran dragones de diversos tipos, ya que éstos simbolizaban la fuerza, el poder, el concepto de "yang" y se decía que eran los proveedores del agua y de la lluvia. Los dragones eran muy importantes en la cultura china, tanto así, que hay diversas frases en los que los representan, un ejemplo es la frase "Esperar que un niño se convierta en dragón", la cual era utilizada para la buena suerte. 

Escultura de un dragón de "La Ciudad Prohibida" en Pekín.

 En conclusión, el arte chino fue parte de una cultura muy vasta. Tanto así que llegó a influenciar a otros países cercanos como las islas Filipinas y Japón. Tiene una cantidad de elementos tan importantes en esta cultura que si se nombran todos, es muy seguro que jamás se terminaría. En esta entrada resalté solo los aspectos más importantes de la religión, la arquitectura y la escultura, sabiendo que China fue y sigue siendo una de las civilizaciones más controversiales en la historia del mundo y que de ella se originan muchos estilos de arte de hoy en día.

Referencias: 

Las Bellas Artes: Arte Chino y Japonés. 1969.